Mommy, de Xavier Dolan (Sección:Autores) por Laura Dal Poggetto. Puntuación: 8.
Steve, un adolescente tan carismático como hiperactivo y violento (Antoine Olivier-Pilon), su madre, en superficie una MILF whitetrash a la canadiense (AnneDurval), ysu vecina, una maestra en sabático por un caso agudo de tartamudeo (la cautivante Suzanne Clement de Laurence Anyways, acá convertida en una señora de los suburbios), son el nuevo trío elegido por Xavier Dolan para construir su ya afamado melodrama del exceso.
Si bien desde una mirada reduccionista se podía pensar que Dolan se había desplazado hacia historias más adultas con Laurence Anyways, en Mommy vuelve a su sector etario favorito: la adolescencia (y la post adolescencia también), de la cual no está muy alejado cronológicamente (pese a haber dirigido cinco films, el franco canadiense cansinamente apodado el nuevo enfant terrible recién cumplió los 25 años). Puede entonces aprovechar para desarrollar su impronta de la urgencia: por expresarse, por salir del lugar de dónde se está, por poder ser un poco más parecido a quien se quiere ser. Desde esta perspectiva todas sus obras forman un corpus coherente y la historia de la mujer trans Laurence Anyways no está tan alejada de la de Steve y su enojo adolescente, súbito y por lo general dirigido a su madre, a veces tan inconstante como él.
Sus personajes están siempre desbordados, cuando no están gritando y/o proclamando a los cuatro vientos sus certezas, dudas, dolores y alegrías, parecieran estar a duras penas conteniéndose de hacerlo. Como la Kyla, la vecina con tartamudeo que finalmente puede decir una frase de corrido gracias a su explosión de furia ante las burlas constantes de Steve.
La fuerza que Dolan ya ha demostrado como realizador está presente en Mommy: un imaginario visual repleto de ralentis que glamorizan los mejores y peores momentos emocionales del trío, la fuerza contenedora –aunque no infalible- de las dos mujeres que se cargan el futuro de Steve, el adolescente arrollador que puede sacar lo mejor y lo peor de quienes lo rodean, el ritmo desenfrenado, excesivo (en el mejor sentido) de un melodrama orgulloso de serlo, una banda sonora tan hipnótica (y en este caso nostálgica) como sus personajes y sus movimientos, irremediablemente dirigidos hacia un choque frontal, del cual no podemos desviar nunca la mirada por más que sepamos que todo va a terminar muy mal.
Birdman, de Alejandro González Iñárritu (Sección: Autores) por Leonardo Perez. Puntuación: 8.
Birdman, dirigida por Alejandro González Iñarritu, trata como un devenido a menos Riggan Thomson (Michael Keaton), famoso por haber interpretado al héroe clásico Birdman, lucha contra sus cómicos ataques de esquizofrenia paranoide y como evitar el inminente fracaso de su obra De qué hablamos cuando hablamos de amor próxima a estrenar en las tablas de Broadway.
En lo que al ciudadano promedio respecta, el cine de autor es difícil de comprender. Es lógico, estamos acostumbrados a producciones concebidas para llegar a la mayor cantidad de público en general. Producciones en las que el director no siempre tiene la posibilidad de plasmar su visión particular del mundo en el que vivimos.
Birdman es una película solida, con interpretaciones soberbias (tone/">Emma Stone y Michael Keaton en particular) que te mantiene compenetrado y a la expectativa de presenciar el final de la odisea personal de Riggan, a todo o nada.
Jauja, de Lisandro Alonso (Sección: Competencia Internacional) por Ignacio Moretti. Puntaje: 8.
Jauja es el quinto largometraje de Lisandro Alonso, quizás el director argentino más reconocido de la actualidad. Es que Lisandro ya es uno de esos directores de festival, reconocidos en el mundo entero: Viena, Rotterdam, Cannes, quizás Mar del Plata, donde participa en la competencia internacional. Director de festival porque encuentra su lugar de expresión en ellos, donde su cine actualmente se hace fuerte. Director de críticos, demostrado por sus sendos palmarés provenientes del FIPRESCI.
Jauja, como el resto de las películas de Lisandro, con sus largos planos fijos, se potencia en la fotografía, en el clima, es esos colores saturados que hacen de cada plano una imagen que evidencia, a veces con más obviedad, una alegoría; que parece querer mostrar mucho más de lo muestra, decir mucho más de lo que dice. Un padre, encarnado por el, a esta altura, gran Viggo Mortensen, que pierde a su hija en una película de búsqueda, en un camino de pérdida y de ¿aprendizaje?, ¿redención?, no sé, en un camino que continúa de todas formas, y que finalmente deja ir.
